El Impresionismo

IMPRESIONISMO:

El último tercio del siglo XIX presenció el surgimiento del impresionismo, el cual es un movimiento pictórico desarrollado fundamentalmente en Francia, que observaba la naturaleza y sus efectos de modo nuevo y revolucionario.

El impresionismo no era en realidad un movimiento organizado, ni tenía un planteamiento teórico específico. Estaba constituido por un grupo de pintores que coincidían en su deseo de reflejar los aspectos instantáneos y cambiantes de la realidad, sobre todo en términos de pura luz, y en su rechazo de la preceptiva académica. Entre sus antecedentes directos cabe citar a paisajistas anteriores, como los franceses Camille Corot y Eugène Boudin, el holandés Johan Barthold Jongkind y el británico William Turner, así como al maestro del realismo, el francés Gustave Courbet, quien aconsejaba a los jovenes impresionistas: "pintad lo que veáis". No obstante, el impresionismo nació también como reacción frente a la sólida estructura compositiva de la pintura realista, aunque muchos de sus miembros habían estado sometidos a su influencia.

La obra “Sol naciente” es un cuadro del pintor francés Claude Monet que dio su nombre al movimiento impresionista.
Fechado en 1872, aunque probablemente fue pintado en 1873, su motivo es el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de pincel que sugieren en vez de delinear.

Siempre se ha considerado a Monet como el máximo representante del impresionismo. Indudablemente, Monet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral. Sus temas preferidos son las marinas, escenas fluviales y paisajes. En su infatigable investigación de la incidencia de la luz, observa que ésta varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada.

El Neoimpresionismo

NEO-IMPRESIONISMO:

El neoimpresionismo es el movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas (que utilizan la pincelada dividida en trazos muy pequeños) y los Puntillistas (que emplean una pincelada en forma de puntos para descomponer totalmente la imagen).
La palabra Neoimpresionismo se empleó por vez primera en 1887 por el crítico de arte francés Félix Fénéon para designar la corriente artística de finales del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, cuyas raíces hay que buscarlas en el Impresionismo. Autores que como Renoir, Signac o Degas parten de la captura del impresionismo pero dan importancia a otros parámetros más concretos de la realidad: la descomposición del color, del movimiento o del espacio.

El arte neo impresionista consiste en la descomposición prismática de los colores y su mezcla a través del ojo del espectador, a la cual va unido el respeto por las leyes eternas del arte: ritmo, simetría, contraste. Este modo de pintar es la consecuencia necesaria del impresionismo. Así como la técnica de los impresionistas es instintiva y fugaz, en igual medida la de los neo impresionistas es meditada y constante. Tal como los impresionistas usan en su paleta colores puros, pero bajo ningún concepto admiten una mezcla en la paleta, salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo, estos, matizados entre sí, y aclarados con el blanco, engendra la multiplicidad de los colores del prisma y todas sus graduaciones.

La obra “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”, es un cuadro del pintor neo impresionista francés Georges Seurat, quien nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de Aix en Provence, en el sur de Francia, ejemplo de puntillismo considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del Silgo XIX.
Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehízo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas.

El Postimpresionismo

POSTIMPRESIONISMO:

El término postimpresionismo se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX tras el impresionismo
Era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazo singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura. El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador. Los pintores huyen de Paris buscando el primitivismo del arte, aunque esta ciudad sigue siendo el centro del arte mundial. Estos nuevos impresionistas tienen una visión particular de su pintura, que les aleja del impresionismo clásico.

La obra Naturaleza muerta con pañería, jarro y frutero fue pintada por Paul Cezanne, quien fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonica hacia el mundo artístico del siglo XX nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cezanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional.
Fue un pintor de pintores, que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación

El Expresionismo

EXPRESIONISMO:

El expresionismo nace, como tal, en Alemania hacia 1912. Mezcla de colores fuertes y puros .Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.

Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

En la obra "Caballos azules" tanto los caballos como el paisaje están resueltos a base de formas geométricas: cubos, cuadrados, triángulos y rombos, que
contribuyen a la fusión formal de unos y otro. Es un ejemplo de los llamados "pre cubistas", fruto del viaje de Marc a París y su visión del cubismo en la vertiente lírica de Delauny. Los colores violentos acentúan la belleza y agresividad de los animales.
La misma fue realizada por Franz Marc en el año 1911.

Franz Marc fue un pintor alemán uno de los componentes principales del grupo expresionista Der Blaue Reiter (El jinete azul). Se interesa muy pronto por las pinturas de animales, especialmente caballos y ciervos, en las que intenta plasmar su veneración mística por la naturaleza y también la espiritualidad que se oculta en ellos. En la obra antes mostrada, Caballos azules, emplea líneas curvas y estilizadas junto a un color irreal para crear y potenciar el efecto de naturaleza idealizada. Después de 1913, como respuesta al cubismo y al futurismo, gira hacia la abstracción, como se observa en Formas peleando (1914), donde más que la descripción física de los animales quiere transmitir sensaciones de fuerza física y espiritual, y de energía en el movimiento de los animales. Murió en acto de guerra durante la I Guerra Mundial.

El Romanticismo

ROMANTICISMO:

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.
Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania hasta llegar a países como Francia, Italia, Argentina, España, México, etc. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Posromanticismo una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, el arte y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardias del siglo XX el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

En el género del romanticismo se esconde un grito estremecedor y desgarrador de libertad; tras la caída histórica del Emperador Napoleón se considera que la corriente artística del romanticismo es la vía de escape para las generaciones jóvenes quienes aspiran a encarnar los principios revolucionarios.
El romanticismo puede entenderse pues como la primera vanguardia en la Historia del Arte y con ello es la mejor manera de inaugurar la entrada hacia una nueva época.
Es importante mencionar que con la aparición del romanticismo el arte dejó de regirse por la imponencia del clasicismo y ya se presentaba como el objetivo principal que no todo está guiado por la belleza sino que debe predominar también la expresión y los sentimientos ya que con ellos es posible abrir y dar paso hacia lugares más amplios.
Con esta predominancia de expresión y sentimientos surge pues el deseo de lo nuevo, de lo insólito, de los oculto así como también de lo reprimido, todo resumiendo en lo que se encuentra más allá del límite, en lo sublime.

La obra “Viejo frente al mar de nubes” es una de las obras cumbres del XIX, Friedrich es uno de los pintores más destacados y enigmáticos de la historia de la pintura como así lo demuestra su Viejo frente al mar de nubes, él decía: Cierra tu ojo corporal, de modo que primero puedas ver tu cuadro con tu ojo espiritual, y es que su pintura ante todo es espíritu y sentimiento, por lo tanto es uno de los mejores representantes del movimiento romántico, y del concepto de lo sublime.

El Realismo

REALISMO

El arte realista se configura como un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.
Ya desde épocas anteriores se apreciaba un cansancio de los valores románticos y el deseo, entre los artistas más inquietos, de incorporar las experiencias más directas y objetivas en sus obras. El proceso es gradual aunque rápido, y entre el romanticismo y el realismo se establece una continuidad, sin embargo sus planteamientos ideológicos y formales serán muy distintos.

También se establece una relación compleja entre el realismo y el academicismo, debido a que todavía existe entre los dos una competencia evidente. También es cierto que se influyen mutuamente. Así, aunque los pintores realistas sean excluidos de las grandes muestra oficiales, la pintura académica evidenciara una atención mayor hacia la observación directa de la naturaleza y la realidad del momento.

La obra ”Las cribadoras” fue pintada en el año 1859 por Gustave Courbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un compromiso político personal más firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender sus ideas. Sin embargo, Courbet se distancia clarísimamente de sus predecesores en la forma de entender el arte.
Courbet rechaza la realidad que le rodea, pero, en vez de huir, lo que haces es mostrárnosla en toda su crudeza para que compartamos con él los mismos sentimientos de rechazo y, en consecuencia, reaccionemos en contra.